Di Daniela Piesco Co-Direttore Radici
Il Pakistan International Contemporary Art Festival & Exhibition è alla sua prima edizione.
Questo festival mira a promuovere gli artisti pakistani contemporanei e lo scambio di culture tra il Pakistan e altri artisti provenienti da tutto il mondo.
Il Pakistan International Contemporary Art Festival è iniziato il 7 maggio 2022, riunendo 150 artisti da tutto il mondo che hanno portato una varietà di opere d’arte riflettendo sul concetto di spazio come approccio filosofico e intrinseco alla creatività artistica.
Amna Ejaz è l’organizzatrice di questo prestigioso festival e mostra internazionale di arte contemporanea ed è la direttrice della Pakistan International Online Art Gallery.
Amna Ejaz nasce e vive in Pakistan dove si diploma in arti visive interdisciplinari,consegue un master in arte e educazione e un master in belle arti (pittura). Attualmente è visiting faculty presso l’Università di Economia Domestica come educatrice di Belle Arti e pratica la pittura.Ha partecipato a diverse mostre d’arte internazionali, ottenendo premi e vincendo vari concorsi. È direttrice e fondatrice della galleria Pakistan International Online Art. È amministratore e moderatore di Artist Drawing Room. Sta partecipando al festival con il suo lavoro “Cultura diversità e identità” dove ha dipinto su tela un ritratto raffigurante una ragazza che indossa un vestito della cultura Punjab: paranda (una storia decorativa di filo che usava per legare i capelli) kajal (fodera nera negli occhi) .
La ragazza sta guardando se stessa nello specchio e sullo sfondo c’è un poster di due donne della cultura occidentale, questo dà un’idea dell’accettazione di culture diverse.
Scrive la tesi di laurea realizzando un progetto video sulle sfide di carriera delle artiste nei primi anni della storia dell’arte pakistana e ha pubblicato anche un libro sullo stesso argomento.
Ha inoltre realizzato tre installazioni sullo stesso argomento. Attraverso i suoi dipinti ha lavorato sui temi caldi dell’attualità che attanagliano il suo Paese : particolarmente rappresentativa è l’opera “barche di giornali sull’acqua rossa” (sei serie olio su tela).
Ha lavorato molto sulla cultura di Lahore Punjab Pakistan.
Nell’organizzazione del festival,assieme a lei, Oltsen Gripshi e Gloria Keh
Il curatore e presidente del membro della giuria, il dott. Oltsen Gripshi, già intervistato in esclusiva per il corriere nazionale (https://www.corrierenazionale.net/ph-d-oltsen-gripshi-al-pakistan-international-contemporary-art-festival-exhibition/)originario dell’Albania, è artista, saggista, curatore di arte contemporanea e storico dell’arte e pedagogista. In questa mostra ha partecipato con la sua pittura.
L’opera di Oltsen Gripshi mostra un fenomeno naturale come l’eclissi.
Attraverso questo lavoro, l’artista Gripshi cerca di trasmettere al pubblico le sue emozioni, dipingendo il gioco tra il sole e la luna. Il dipinto è realizzato con la tecnica dei colori ad olio su tela e appartiene allo stile realistico della pittura. Quando guardiamo quest’opera è come se ci invitasse a parlare con lei, a comprendere e riconoscere meglio l’eclissi che l’artista ha dipinto con grande maestria. Un aspetto molto importante è l’armonia dei colori che si adattano molto bene a trasmettere al pubblico forti emozioni e sentimenti. L’eclissi è composta al centro dell’immagine e dietro di essa sembra che la luce del sole esploda potentemente piena di energia accecante
Nel 2021, Gloria Keh, 70 anni, Singapore membro di giuria, anch’ella artista di fama internazionale che partecipa al festival, ha intrapreso una nuova serie.
La serie che ha chiamato LIFE, rende omaggio non solo alla semplice esistenza, ma alla presenza della Vita e dell’importantissima Forza Vitale. Per Keh, la vita non è l’opposto della morte. La nascita è l’opposto della morte poiché c’era la Vita prima della nascita e la Vita continuerà ben oltre e dopo la morte. Life lll, è, come suggerisce il nome stesso, la terza opera di questa serie iniziata con un quartetto di quattro dipinti, tutti delle stesse dimensioni. La tavolozza dei colori di Life lll è vibrante, arricchita dai toni brillanti e dalle sfumature dei rossi. Cremisi, carminio e rosso pirolo, come il sangue dei nostri corpi scorrono con movimenti circolari. L’umore è positivo, edificante. Pulsante. Il rosso è un colore sinonimo di passione, buona fortuna e gioia, soprattutto per molte culture asiatiche. I cinesi, e Keh è cinese, considerano il rosso un colore di buon auspicio che porta fortuna e buone notizie. Quindi, il rosso è ampiamente utilizzato in occasione di feste, matrimoni e altri eventi e celebrazioni importanti. È interessante notare che il lavoro è anche rituale: poiché Keh ha mescolato frammenti di incenso cerimoniale del tempio nella sua ultima applicazione di colori. L’intento era quello di dare un senso di sacralità all’opera, benedicendola e ungendola; e così facendo, onorando la Vita.
Keh ha detto: “La creazione di questa serie è stata una premonizione, poiché attualmente sto lavorando a un corpus più ampio di lavori in continuazione di questa serie, per il mio assolo nel 2023. È il mio modo di ringraziare per la VITA”.
L’ intervista
1) Il festival del contemporaneo in Pakistan, evento d’arte e cultura, ha lo scopo di fare incontrare, la comunicazione e la conoscenza di differenti tradizioni culturali nel Mondo. Tale evento intende costruire una rete globale di connessioni e collaborazioni che porti ad una conoscenza e ad un rispetto delle Culture stesse, valorizzandone reciprocamente la Bellezza e la profondità. Come sta andando questa prima edizione?
Il Lahore Art Festival è una buona occasione per lo scambio di idee, arte e cultura tra i continenti. Il festival ha portato artisti da tutto il mondo, rendendo Lahore la città internazionale delle culture. In questa mostra il nostro team stesso proviene da culture diverse. Io sono l’organizzatrice di questo prestigioso festival internazionale di arte contemporanea e mostra e direttrice della Pakistan International Online Art Gallery dal Pakistan, il nostro curatore e membro della giuria il dottor Oltsen Gripshi è dall’Albania e il 2° membro della giuria Gloria Fu Keh è una rinomata artista visiva da Singapore ha avuto un ruolo importante nella selezione delle arti partecipanti. Nella nostra mostra abbiamo avuto più di 150 artisti provenienti da 55 nazioni. Artisti che sono molto apprezzati per la loro regolare partecipazione a mostre e biennali internazionali e per le mostre personali in diversi musei nel corso degli anni. Ha dato ponti a tutte le nazioni per incontrarsi su un punto, nonostante tutte le diversità, le diverse culture, lingue, pensieri e religioni. Le opere d’arte sono state realizzate con tecniche diverse, portando una varietà di idee e immagini che hanno reso il festival impressionante per tutti.
2) Far conoscere la complessa contemporaneità dell’attuale Pakistan attraverso l’Arte che oggi esprimono le sue giovani generazioni è molto importante per Il confronto con ciò che accade in Italia : qual’e’ il percorso di senso e di significato capace di farci leggere la specificità delle esperienze, l’una alla luce dell’altra?
L’arte in Italia ha una storia molto lunga, avendo avuto influenze di grande impatto sull’arte greca e bizantina e, a sua volta, guidando il mondo come un importante centro d’arte nel periodo rinascimentale. L’Italia moderna e contemporanea ha anche mantenuto la sua ricchezza attraverso la sua arte, moda e design. Nello stesso contesto, la regione che ora è il Pakistan ha avuto interventi simili attraverso greci e altri invasori: il Pakistan è ben noto per la sua arte Ghandara, la civiltà della valle dell’Indo, i monumenti/dipinti Mughal e le trasformazioni coloniali nell’arte moderna e contemporanea.
Ma allo stesso tempo tra i due paesi ci sono differenze tra culture, religione e arte. Abbiamo trovato l’Italia sempre stimolante attraverso la sua arte e architettura, design e tecnologia moderna nei suoi gadget e industria moderni, ecc. Il Pakistan stesso è orgoglioso del suo ricco patrimonio – e oggi la scena artistica è molto vivace con una ricca diversità nelle opere del suo contemporaneo artisti interdisciplinari
3) Puoi descriverci come è stata allestita la mostra e le opere degli artisti contemporanei Italiani e pakistani che attraverso i linguaggi della fotografia, della video arte e dell’installazione, si confrontano su temi relazionali, sociali ed esistenziali profondi?
Dall’Italia abbiamo avuto la partecipazione del famoso artista Alfred Mirashi Milot, artista italo-albanese.
Ricordo che Milot , nato il 29 agosto 1969 nel nord dell’Albania ,vive un periodo di fiorente carriera artistica che lo vuole, personalmente o collettivamente, in tutta Italia a livello internazionale per esporre le sue opere. Sta realizzando l’opera “Chiave di Cervinara” uno dei suoi progetti di maggior successo. Il progetto ambientale di Alfred Mirashi può essere adattato a qualsiasi città o, meglio, a qualsiasi contesto o spaccato urbano. Ha un grande valore di duttilità involontaria ma reale. Alfred è un artista dedito all’apertura, al dialogo, al confronto, alla collaborazione e alla sinergia. La sua chiave potrebbe andare oltre la scultura da esporre in mostra o nella casa di un collezionista. Le due ragioni messe insieme, il valore simbolico e la morfologia intrinseca dell’opera, hanno portato naturalmente all’idea della sua collocazione nello spazio pubblico, il suo valore simbolico è esasperato dal fatto che lo sviluppo formale è capriccioso, quasi come una colonna contorta , e quindi non suggerisce affatto un oggetto funzionale compatibile con una serratura. Curvatura, sinuosità, gioco insistente tra momenti convessi e concavi raccontano uno sviluppo morfologico molto irregolare e, anzi, capriccioso. Non a caso nel 2011 è stato esposto nella mostra internazionale d’arte contemporanea dal titolo Barocco Austero che ho curato a Catania nel settecentesco ex monastero benedettino, sede della Facoltà di Lettere. Da qui la sua adattabilità a qualsiasi contesto, al punto da qualificarsi come un progetto site-specific, cioè pensato ad hoc per uno specifico spazio. In effetti, può essere giocato in verticale, uno qualsiasi dei due estremi può salire o scendere. Può anche seguire un percorso obliquo. O anche orizzontale. Senza contare che anche la sua forma plastica può subire modifiche in relazione alle esigenze. In tempi sempre più difficili per la pace, una diffusione ambientale di questo simbolismo dalle forme affascinanti sarebbe un bel messaggio per ogni latitudine geografica e culturale. E va da sé che, anche importante, offrirebbe ai passanti di qualsiasi area geografica un momento di bellezza dal forte appeal.
Abbiamo Tiziana Vanetti : pittrice italiana, nata a Bengasi (Libia) nel 1968, si è diplomata come stilista di moda e ha conseguito la laurea triennale con lode in pittura, e una specializzazione in arti visive presso l’Accademia di Belle Arti di Brera a Milano.
Dal 2002 ha realizzato numerose mostre personali e collettive in Italia e all’estero. Attualmente è docente all’Accademia di Belle Arti di Firenze. Tiziana Vanetti, con un segno forte e a tratti evanescente, torna a riflettere sulla natura, intesa come spazio vissuto e come spazio osservato che diventa espressione di sé. La sua pittura diventa un linguaggio per affermarsi e dare voce alla propria dimensione emotiva. La natura dipinta da Vanetti si svela esteticamente all’osservatore: una natura che diventa puro oggetto con cui l’uomo deve imparare a confrontarsi, luci ed evoluzioni cromatiche che possono essere insieme bellezza e inquietudine. Le opere di Vanetti sono quindi un invito all’osservazione estetica, che riflette quel bel dialogo con cui l’uomo ha imparato a riconoscere la città come simbolo delle libertà civili e la natura come veicolo dei suoi sentimenti.
Abbiamo Michele Stanzione :professore alla Shandong University of Art and Design-Cina.
Con la sua lunga carriera artistica tra mostre collettive e mostre personali a livello internazionale, collabora anche con diverse agenzie fotografiche internazionali per la produzione di reportage fotografici. A questo festival ha partecipato con il suo lavoro dal titolo: “Abbraccio infinito” è una fotografia che ha scattato nei boschi della sua terra. La pluralità di braccia che abbracciano il tronco dell’albero rappresenta l’intento di preservare la natura e le sue bellezze, un inno alla vita e alla natura che troppo spesso trova distruzione e morte per mano di un uomo.
Abbiamo inoltre Paolo Lamuraglia :un fotografo italiano nato a Firenze (Italia) nel 1965.
La sua propensione artistica nasce già in giovane età e, dopo il diploma di maturità scientifica, inizia da autodidatta per dedicarsi alla musica e alla fotografia. La sua attività inizia fotografando spettacoli teatrali grazie ai quali si distingue e, nel 2000, viene scelto come fotografo ufficiale della mostra dello scultore giapponese Kan Yasuda. Inizia poi a lavorare in numerosi progetti artistici ed editoriali, entrando in contatto con il mondo del giornalismo: dal 2010, infatti, è regolarmente iscritto all’albo dei giornalisti italiani. Inoltre, dal 2003 al 2010 collabora con una rivista italiana di cibo e bevande. Non solo si è dedicato alla fotografia ma anche alle proprie produzioni artistiche: ricicla pezzi di auto da demolire e finisce per creare graffiti unici. Dopo anni di esperienza, nel 2012 inizia una proficua collaborazione con la Galleria D’Arte Nozzoli per la quale fotografa opere di maestri italiani poi pubblicate nei cataloghi ufficiali. Nel 2016 viene selezionato per partecipare alla sesta edizione della Jinan Photo Biennial (Cina) e nel novembre 2019, nell’ambito della Biennale Internazionale di Fotografia “PHOTOLUX”, viene inserito nella SHORT LIST dei vincitori del “Photolux Travel Photography Award”: il premio dedicato alla fotografia di viaggio in collaborazione con KELL 12 – National Geographic Expeditions.L’artista italiano Paolo Lamuraglia svolge il suo lavoro con un occhio di riguardo all’uomo e all’ambiente in cui vive.
Le sue fotografie raccontano storie di uomini e donne in relazione ai contesti in cui operano e ai luoghi in cui vivono. Gli esseri umani imprigionati in giungle di cemento che cercano conforto nei pochi luoghi naturali rimasti sono i soggetti del suo lavoro. Nell’era delle pandemie e dell’isolamento sociale, l’uomo ha bisogno di riscoprire il legame con la realtà attraverso la natura. La voglia di fare ritratti e l’amore per la montagna hanno influenzato il lavoro di questo artista che ha sempre spaziato tra il reportage e la fotografia naturalistica. Creando un “isolamento di gruppo” nella natura, vuole portare i visitatori a riflettere su ciò che sta accadendo nella società moderna e sul ruolo degli esseri umani nel mondo.
Dal Pakistan abbiamo il lavoro della dottoressa Rahat Naveed Masud che è profondamente radicato nel suolo della sua terra.
Come artista figurativa, mostra la condizione umana attraverso i suoi vari stati d’animo. La forma femminile nel suo lavoro diventa rappresentativa di tutta l’umanità e articola le preoccupazioni socio-politiche contemporanee, raffigurando la vulnerabilità e la resilienza della gente comune. La sua tesi di dottorato ha portato ad un interesse per i pensieri sufici. Questa influenza si è manifestata nel suo lavoro che è permeato e trasuda una qualità spirituale. Oltre ai suoi dipinti, le sue installazioni video includono A Self-Portrait; Annientamento e materializzazione dello spirituale; Santuari, preghiere e cultura popolare, un film documentario di trenta minuti prodotto sui santuari e la cultura popolare.
E poi ci sono io dal Pakistan che come ha detto brillantemente in premessa sono laureata in arti visive interdisciplinari, e ho un master in arte e educazione e un master in belle arti (pittura).
Sto partecipando con il mio lavoro “News Affairs” dove ho dipinto Attualità del Pakistan, pittura a olio su tela. Il mio lavoro descrive le notizie quotidiane sull’artista, i tassi delle cose stanno aumentando, le persone parlano aggressivo, le decisioni politiche e le analisi. Che scavano sempre nelle menti e anche nell’artista, a volte pensano e lavorano solo su questo.
Imran Somro è un artista visivo del Pakistan. Partecipa a questa mostra con il suo lavoro “Digital Imaging a Modern Language of Visual Arts”.
Nell’era dei media digitali, gli oggetti fotografici hanno occupato ogni spazio e hanno coperto quasi ogni aspetto della vita. Le persone sono alleate semiotiche e verbalmente associate all’imaging nella società. Sta influenzando direttamente e indirettamente le nostre vite. Essendo un artista, ho usato l’imaging digitale per esprimere il linguaggio del 21° secolo che si connette ieri con l’oggi per inaugurare i tempi a venire. ho cercato di esprimere il vasto concetto nascosto dietro i dipinti storico/tradizionali nel nuovo linguaggio dell’arte visiva.
E tanti altri artisti ancora da tutto il mondo.
4) È vero che In Arte, come nel vivere, l’apertura al confronto, quando sa e desidera affrontare le distanze reali e metaforiche con le altre culture, è occasione di crescita e apertura alla “novità” tanto formale che concettuale?
Sicuramente, tali incontri portano sempre a risultati molto eccitanti. La storia dell’arte è piena di esempi su come il confronto o l’interazione con altre culture si è manifestato in sforzi creativi completamente nuovi: Picasso e l’arte africana hanno portato al cubismo, le xilografie giapponesi hanno influenzato profondamente gli impressionisti ecc. Noi artisti pakistani siamo sempre aperti ad apprezzare altre culture e crediamo in una sana interazione -Ma allo stesso tempo c’è una profonda consapevolezza della nostra identità nazionale e culturale. Nonostante ciò, quando ci stringiamo la mano a livello globale, rispettiamo e apprezziamo le altre culture allo stesso modo della nostra cultura. Cerchiamo sempre l’ispirazione dalle nostre antiche culture che si manifestano nella pratica dell’arte contemporanea, la nostra metodologia di insegnamento agli studenti d’arte e la nostra produzione artistica.
5)Il festival vuole essere una mostra “che pensa” e fa pensare attraverso l’incontro inedito tra artisti italiani e la cultura visuale ed immaginale del Pakistan contemporaneo superando i pregiudizi, le distanze, le diversità di formazioni.Crede che possano nascere riflessioni tanto sulla specificità che sulle comuni esigenze di dignità, di significato, di etica e rispetto necessarie alla condizione umana?
La diversità è sempre un piacere per Lahore in istan, qui abbiamo una cultura che rispetta sempre tutte le nazioni e apprezza tutte le altre culture attraverso l’arte e l’istruzione.
Anche questo festival mira a mettere in luce il superamento dei pregiudizi, le distanze, la diversità e il valore di tutte le condizioni umane con tutte le differenze.Grazie per questa opportunità cara Daniela.
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